[摘 要] 作为西方古典艺术体系中综合性最强的艺术形态,歌剧自传入中国以来,始终面临着跨文化传播的语言壁垒、审美门槛与受众错位等多重困境。扩大歌剧的受众基础,不仅是中国声乐从业者的核心职业理想,更是中国美育体系建设的重要组成部分。上海音乐学院副教授施恒自2009年旅法归国,以十七年的坚守,形成了舞台创演、线下普及、线上传播与学术支撑四位一体的推广体系。本文梳理其专业积淀、实践路径与行业影响,阐释声乐从业者在歌剧本土化传播中的探索价值,旨在为西方古典艺术在中国的大众化传播提供兼具学理性与实践性的个案参考。
[摘 要] 在大提琴专业演奏教学中,左手技术训练是重要的教学环节。科学的左手训练方法能有效提升学生演奏的音准、节奏、速度、和弦及揉弦等能力,还能够为各类大型音乐作品的舞台演奏奠定坚实基础。本研究立足国内专业院校大提琴演奏教学实践,融合国外先进教学理念,对传统教学及训练方法进行优化和创新,深度探讨大提琴左手训练方法,并结合演奏片段,对大提琴演奏技术进行细致分析,以期为大提琴专业演奏教学及技术训练提供实践参照。
[摘 要] 琵琶五重奏《上元街行》创作于2024年,以岭南元宵灯会为题材,在广东传统音乐元素与现代重奏技法的融合中,探索了琵琶重奏语言的新可能。文章从创作缘起切入,通过对音乐结构、演奏技法与教学实践的层层剖析,揭示了这部作品如何在多声部织体中实现传统音韵的创造性转化。研究表明,作曲家通过对广东音乐核心元素的提炼与重奏思维的植入,不仅拓展了琵琶重奏的表现空间,也为民族室内乐的当代发展提供了可供借鉴的岭南范式。
[摘 要] 课程思政是将思想政治教育有机融入每门课程的教育理念。本文以《歌曲写作》课程中“重复类发展手法”一课为例,通过将这节课所蕴含的思政元素与教学过程进行深入融合,探讨了课程思政贯穿课堂各个环节的方法与路径。将课程思政与《歌曲写作》课程相结合,不仅能够提升育人成效,而且有助于引导学生思考歌曲创作在贡献社会方面的意义。从而激发学生的爱国主义精神、增强文化自信。
[摘 要] 汉乐作为中原古乐南迁的音乐载体,历经多个历史时期的跨地域传播与文化融合,逐步形成“融中原礼乐之制,承岭南民俗之韵”的独特音乐形态。如何以音乐史学为理论基础,结合文献考据与社会功能视角,梳理汉乐从中原礼乐到岭南俗乐的历史演进脉络,揭示其通过乐器形制改革、曲体融合及表演场域转换而形成“礼俗共生”风格建构的文化进程,是潮汕汉乐在当今社会语境下得以生存的重要课题。当代语境下的功能转型是依托历时性与共时性的双重视域,在音乐形态、审美范式与文化功能的稳定性框架内的进程。潮汕汉乐与当代城市音乐文化、数字媒介及世界音乐语境的对话路径,亦为岭南传统音乐谱系的重构理论在全球化背景下的“音乐文化遗产”活态传承范式提供新的启示。
[摘 要] 本文聚焦传统音乐文化的美育价值与实现路径,明确其价值不仅在于提升学生的审美感知能力与鉴赏水平,还能深度培育民族文化认同感与自信心,同时对健全人格的塑造及正向道德观念的养成具有重要支撑作用。但当前传统音乐文化美育实施中存在现实困境:教学内容滞后于时代需求,多局限于传统曲目的简单呈现;传播方式较为单一,仍以课堂讲授为主,缺乏多元载体支撑;专业师资力量不足,且部分教师的教学能力与时代要求存在差距。针对这些问题,研究提出高校需通过更新教学内容以贴合当代审美需求、创新传播渠道以拓展覆盖范围、强化师资建设以提升教学质量等措施,以期为充分释放传统音乐文化的美育效能提供理论依据与实践指引。
[摘 要] 秀山花灯作为国家级非物质文化遗产,其生存与发展依赖于特定的自然与人文生态环境。本文基于文献分析与田野调查数据,从地理环境、社会结构、文化互动三个维度,系统考察秀山花灯民歌的生态基础。研究表明:武陵山区封闭性地理环境塑造了花灯艺术的保守性特征;多民族杂居的社会结构促成了土家族、苗族、汉族艺术的交融;而当代城镇化进程则导致传统“灯班—村寨”传承链断裂。保护秀山花灯民歌,需构建“文化生态保护区+数字化存档+教育传承”三位一体的模式。
[摘 要] 本文围绕音乐声学课程的学科定位、模块设计、实践体系与评价机制提出建设方案。在厘清音乐声学在音乐学门类中的学科地位的基础上,结合国内院校现状及乐器材料、数据库、虚拟仿真、心理声学与音乐治疗等前沿成果,构建了“基础理论—技术实践—交叉融合”的三层课程架构和“实验室演练—项目驱动—艺术实践”的多层次实践体系,并设计了可操作的评估矩阵与课程—能力—设备对照表。同时,提出了跨学科校准实验的实证研究框架,运用主客观结合的量化工具检验课程成效,为音乐院校开展教学改革与质量评价提供可复制、可迁移的路径。
[摘 要] 随着人工智能在教育领域的广泛应用,传统的说教式音乐教学模式被打破,如何在技术赋能中坚守人文情怀,成为高校音乐教师关注的新课题之一。本文以人工智能视域下高校音乐教学的实践反思为主题,基于当前人工智能视域下高校音乐教学实践中存在的技术与人文割裂的现实,以及技术赋能和人文坚守相统一的逻辑关系的分析,提出了以“源头融合、双线并构;诊断转化、递进循环;反思转译、巧妙赋能;评价优化、动态制衡”为核心的优化策略。
[摘 要] 民族声乐作为中华优秀传统文化的重要组成部分,其演唱风格深受地域文化的影响。民歌是声乐教学的重要组成部分,尤其在民族声乐教学体系中占据重要地位。本文将深入探讨不同地区民族声乐的演唱特色,并以东北地区为例,剖析其民歌演唱特色在高校音乐教育中的应用。通过比较研究揭示民族声乐的多样性,为民族声乐教学提供理论参考与实践指导,促进民族声乐艺术的传承发展。
[摘 要] AI(人工智能)技术正逐步融入中小学音乐课堂,为教学创新提供了新的可能。本文以人民音乐出版社六年级下册第三单元“银屏之声”欣赏课《云宫迅音》为教学载体,通过对乐曲的聆听与分析,理解音乐要素对音乐表达的作用,将所学的音乐知识转化为关键词,利用AI工具生成符合意境的音乐,从而达到音乐创编的目的。通过教学实践发现,该教学思路有效地降低了学生音乐创作的门槛,实现了从音乐鉴赏分析到音乐表达创作的转变,激发了学生的创作灵感和欲望,为探索技术赋能下的音乐教学新模式提供了具体案例与反思。
[摘 要] 当下,生成式 AI 在赋能音乐教育领域方面带来了许多最新成果。本论文深入分析了生成式 AI 如何为实现音乐教学新发展注入强劲动能。研究表明,生成式 AI 技术凭借其强大的综合数据处理和生成能力,能够在融合学科资源以实现教师高效教学、创设丰富教学体验以满足学生个性发展、实时数据监测支撑评价反馈、立足地方特色传承音乐文化等方面实现高效赋能,并进一步探讨了其在内容生成、法规政策、人才培养等方面有待提升之处。最后,结合当下,展望未来,以期见证我国音乐教育事业更加蓬勃发展。
[摘 要] 本文以声乐基础审美教学为核心,以中国艺术歌曲《渔光曲》与巴洛克时期歌剧咏叹调《让我痛哭吧》为研究对象,从文化语境、音乐本体、演唱技术与情感表达角度展开对比分析。研究表明,两首作品分别代表中西方“内敛写意”与“外放写实”的审美范式,其音乐特征与演唱要求具有互补性。论文构建二元对立审美参照系,提出“对比聆听”“分步解析”“情景模拟”“反思融合”四大教学策略,通过分层教学衔接理论与实践。此举可帮助基础阶段学生建立多元审美视野,丰富了声乐基础审美教学的理论与实践体系,为声乐基础审美教学提供了可操作的实践方案。
[摘 要] 奥尔夫音乐教育体系将“元素性音乐”作为核心,突出参与性、体验性与综合性,为高校音乐教学提供了独特的思路。声乐教学作为高校音乐教育中的关键分支,需兼顾技能培育与兴趣激发,而奥尔夫体系的理念与方法恰好能为其发展增添新活力。明确该体系的基本特征、探索其在声乐教学中的应用价值并探索匹配的实施举措,对提高声乐教学质量具有现实意义。本文先梳理奥尔夫音乐教育体系的基础与发展,对其应用价值展开分析,进而提出具体应用策略。
[摘 要] 声乐演唱是技术性与艺术性高度结合的表演艺术,技术训练与艺术表现的协同培养始终是声乐演唱教学的重要课题。然而在实际教学中,二者相分离的教学现象仍较为常见。这对学生综合演唱能力的提升产生了影响。本文通过厘清声乐演唱技术训练与艺术表现的核心内涵,深入分析二者的内在关联,最后结合教学实践提出技术与艺术协同提升的具体教学策略,以期为优化声乐演唱教学实践、培养学生声情兼备的演唱能力提供实践参考。
[摘 要] 本文聚焦挫琴这一珍稀传统乐器的传承困境与现状,结合潍坊理工学院音乐学院深入推进挫琴融入专业人才培养体系建设的实践案例,在挫琴特色课程群改革与重构中,探索传承与弘扬地方传统音乐特色的产学研协同育人新路径,切实提高学生创新实践能力与社会适应能力,为传统音乐类非遗在高校的活态传承及现代化传播推广提供可复制的范式。
[摘 要] 红色音乐赋能高校思政课一体化建设有利于丰富高校立德树人的教育路径,实现情感共鸣与价值引领的有机统一。红色音乐中蕴含着鲜明的政治性、深厚的群众性以及厚重的文化性,通过“以乐释理、以乐践行、以乐入境”的路径探索,有助于实现“理论灌输”与“文艺熏陶”的协同育人,以达到强化思政引领力、提升育人实效性、激活情感共鸣力的育人效果,从而让学生在实践服务与文化传播中践行红色文化,坚定理想信念。
[摘 要] 在艺术教育深化发展的当下,合唱凭借集体共创的特性,成为高校美育和素质教育的重要途径。学生在合唱中加深对音乐的理解,增强集体意识与责任感,为校园美育增添活力。本文运用文献研究、实地调研和案例分析的方法,在梳理综合院校合唱社团发展现状的基础上,以南通大学合唱团为切入点,分析综合院校合唱社团在成员培养、训练组织、课程融合与美育实践等方面的发展路径,进而为同类院校合唱社团建设与育人实践提供参考。
[摘 要] 高中音乐课在音乐核心素养发展的过程中,依然存在着审美感知不充分、文化理解不深刻、艺术表现不丰富的现象。因此,本文以人音版《普通高中音乐鉴赏》教材为主要文本基础,立足于教学课程标准和学科融合新目标的要求,基于“理念引领—资源合作—方式重构”三维度进行实践探索,探讨基于跨学科教学的学生音乐学习多样性的实现路径。实践证明,跨学科策略不仅拓展了音乐课堂的育人维度,也为美育落地与核心素养落实提供了可操作的路径与范式支持。
[摘 要] 在数字化转型浪潮与教育现代化战略的双重驱动下,高校学前教育专业“口传心授”式的声乐技能训练因在个性化教学、资源广度、实践场景及评价科学性等方面存在明显局限,已难以满足新时代对高素质、应用型幼师人才的培养需求。本文旨在系统探讨如何将大数据、人工智能、虚拟现实等数智技术深度融入学前教育专业的声乐技能训练体系,构建一个以“技术赋能、数据驱动、个性发展、实践导向”为核心的新型训练模式,以期为高校学前教育专业的声乐教学改革与人才培养质量提升提供参考。
[摘 要] 怀化侗族非遗是中职旅游专业艺术美育的优质教学资源,契合文旅融合行业对复合型人才的需求。本文以怀化市旅游学校一年级旅游专业“艺术零基础”学生为研究对象,基于建构主义学习理论及多元智能理论等,通过调研明确学生、企业与教学层面的核心诉求与困境,构建“基础启蒙—技能进阶—实践应用”三级递进式课程体系,探索“分层教学+多元方法+四位一体实践平台”的教学实施路径,配套开发针对性教学资源与多元评价体系。实践表明,该模式能有效降低非遗学习门槛,激发学生学习兴趣,实现非遗传承、美育浸润与旅游服务能力培养的协同发展,为中职旅游专业艺术美育改革提供可复制的实践参考。
[摘 要] 在“双减”政策与《义务教育艺术课程标准(2022年版)》[1]的双重指引下,基础教育正向“素养本位”转型,非遗活态传承的校园教育融合成为重要课题。锡剧作为国家级非物质文化遗产,其校园传承面临课程缺失、师资薄弱、受众断层等困境。本研究以无锡市梁溪区夹城里小学为个案,通过文献研究、实地调研、行动研究等方法,构建“课程建构—师资培育—平台搭建—协同联动”的锡剧校本实践体系。研究表明,阶梯式跨学科课程、双师协同教学、家校社三位一体传承机制,能有效提升学生艺术素养与文化认同,为地方戏曲校园活态传承提供可推广的实践范式。
[摘 要] 湘西苗歌是湘西地区苗族人民的文化瑰宝,一曲曲苗岭飞歌,道出苗族千年文化,其独特的音乐风格和丰富的文化内涵,使其具有重要的历史应用价值、文化艺术价值以及科学实用价值。随着现代化进程的不断加快,湘西苗歌的生存环境与传承方式发生了较大变化,其传承与发展面临诸多现实挑战。本研究在梳理湘西苗歌价值内涵的基础上,通过实地调查与资料分析,对当前湘西苗歌的传承现状进行探讨,并进一步提出相应的保护与传承对策。指出要以守正创新为根本、政府引导为核心、社会倡导为重点、学校教育为关键,发挥政府、民间和学校三方合力,全面加强对湘西苗歌的生态建设、系统保护和赓续传承,唱好苗家人的故事与真情,促进湘西地区和谐发展,弘扬新时代苗疆发展强音。
[摘 要] 陕北信天游作为陕北民歌的典型代表,其音乐形态承载了地域自然环境与人文传统的双重印记,文化功能则渗透于陕北社会生活的各个维度。本文从陕北信天游的音乐本体、语言表达和演唱实践三个层面解析其音乐形态的构成,从情感宣泄、历史记忆与文化认同三个维度探讨其文化功能;同时,结合真实案例分析其在数字化时代下的传承与传播路径。研究发现,信天游既是陕北人民生存智慧的艺术表达,也是地域文化基因的重要载体,其形态与功能的互动关系为理解中国民间音乐的生命力提供了典型范例。
[摘 要] 数字化技术为朝鲜族音乐类非物质文化遗产保护与传承提供了新路径。本文梳理了我国朝鲜族非遗音乐项目,总结了当前取得的成就,分析了数字化过程中的难点,并提出数字化保护与传承策略:注重情境化、多维度采集,建设多级备份与保障档案,打造沉浸式、互动化展示平台,实施精准传播战略。
[摘 要] 巴蜀地区文化底蕴丰厚,艺术形式多样。由于巴蜀文化的浸润,产生了“傩戏”这一神秘的戏剧种类,巴蜀地区也因此成为傩文化的重要承载地域之一。其傩戏音乐在形态上与地方信仰之间呈现出复杂紧密的互动关系,是理解巴蜀傩戏艺术生命力的核心。傩戏音乐不仅体现出巴蜀先民的原始信仰,更是连接当地族群的“纽带”。从巴蜀傩戏音乐的文化生态背景和音乐形态入手,考察其结构和艺术特征,分析音乐在傩戏中所承担的功能,从而揭示巴蜀傩戏音乐所呈现的文化表征意义。
[摘 要] 彼得·伊里奇·柴可夫斯基创作了众多令人难忘的音乐作品。其中,他的钢琴作品《杜姆卡》(Op.59)尤其引人注目,被誉为钢琴创作领域中的一颗耀眼的宝石。这部作品不仅因其浓郁的俄罗斯民族风情和深刻的悲剧性内涵而广受赞誉,而且巧妙地融合了高超的演奏技巧与丰富的音乐表现力,使其成为钢琴教学与演奏中不可或缺的曲目。本文旨在通过对《杜姆卡》音乐特征的深入剖析,并结合具体的演奏技巧分析,探讨如何更精准、更深刻地诠释这部作品。
[摘 要] 肖邦的钢琴音乐以极具个性化的艺术表达,成为西方浪漫主义时期的重要代表。在长期的赏析与研究中,学界逐渐形成了对其音乐风格较为固化的审美认知:旋律线条连绵婉转,极富歌唱性;复杂的和声语言与力度对比塑造出细腻的音响结构。此类认知固然彰显了肖邦独特的音乐风格,却在一定程度上制约了演奏者对作品的深入理解与诠释,尤其体现在对其踏板语言的认知相对模糊。本文以此为切入点,通过追溯钢琴乐器的发展演变、考证文献中关于其踏板运用的相关论述,并对不同版本体系的乐谱进行比较,力图明晰对肖邦踏板语言的理解路径,为当代演奏实践提供基于文献与历史语境的判断依据。
[摘 要] 本文以朱迪思·威尔创作的《哈拉尔德国王的萨迦》(King Harald's Saga,1979)为研究对象,探讨单人歌剧在极简条件下如何实现对史诗叙事的重构。作品以无伴奏独唱的形式,将原本跨越数十年的历史事件压缩进极为有限的演出时间,从而形成一种高度凝练的叙事方式。文章首先分析这一极简结构如何在表演与舞台层面构成基本前提,继而结合叙述学关于时间的相关理论,讨论作品如何通过速度变化、角色切换与声乐手段生成“压缩式时间”,并由此改变传统线性叙事的展开方式。这种时间处理不仅影响叙事节奏,也使史诗从以“展示”为主转向以“讲述”为核心,并在单一声部中形成多重视角的交叠,为史诗题材提供了一种新的表达路径。
[摘 要] 随着时代的发展,中国钢琴作品越来越丰富,中国民族元素的运用也日益多元化。本文以刘庄《变奏曲》为例,分析中国元素在中国钢琴作品中如何与西方作曲形式相交融。该作品作为早期中国钢琴作品之一,是较早尝试将传统旋律与西方变奏曲式结合的代表作,其创作理念对后续民族化钢琴作品产生了重要影响。本文的研究有利于演奏者进一步了解与演绎作品。
[摘 要] 霍米·巴巴关于“第三空间”的理论,论述了在后殖民关系中,文化艺术形式超越二元对立的固有框架,以广泛的包容性形成了文化的混杂与协商空间,从而平衡两种文化之间的话语权。本文以霍米·巴巴的后殖民主义理论分析“新潮音乐”作曲家陈怡《西南小曲三首》的创作,探讨陈怡在第三空间利用混杂手法创制音乐文化差异与身份重构的方式,在当代语境下为传递中国声音带来了更大的启示意义。
[摘 要] 张朝的钢琴曲《皮黄》以京剧为素材,融入《易经》的哲学结构与文化观念,在音乐形式与精神内涵上实现了一种“易象化音”的当代表达方式。本文基于作者整理的作曲家口述访谈资料与谱例分析,从“太极—两仪—四象—八卦”的结构逻辑出发,考察该曲由导板至尾声的十段结构分布,重点探讨三音动机作为“太极”原型的生成角色,“阴”“阳”两仪分段,以及各段的音乐织体与易学意象之间的对应关系;进而从《易经》八卦的角度解读本曲所蕴含的传统文化意象,以及各段音乐与其所象征的生命意境之间的关联。文章亦结合尾声的动机回归与主题重合,探讨其如何在结构上实现“阴阳合一”的哲学收尾。《皮黄》并非简单模仿京剧,而是以京剧“基因”为出发点,在钢琴语汇中完成一次结构美学与东方哲思的融合,体现出当代作曲对传统文化的创造性转化。
[摘 要] 在全球化语境下,传统音乐的当代传播与表达面临新的机遇与挑战,钢琴作为国际化的音乐载体,为传统音乐的创新转化提供了重要路径。本文以中国传统音乐在钢琴改编曲中的传承与创新为核心,结合《二泉映月》钢琴改编曲的个案分析,探讨传统音乐元素如何通过钢琴这一西洋乐器实现民族文化的延续与突破。文章首先梳理传统旋律素材、民族调式体系及民间音乐体裁在钢琴改编中的具体体现方式,揭示改编作品对文化基因的传承与发展逻辑;进而以《二泉映月》为例,分析其在演奏技法、和声语言与织体层次上的创新策略,展现传统音乐与现代钢琴艺术的融合效果。研究表明,钢琴改编不仅是传统音乐形式的拓展,更是民族文化精神在当代语境下的生动诠释,对推动中国钢琴音乐的民族化发展具有重要意义。
[摘 要] 《克拉玛依之歌》是中国20世纪50年代家喻户晓的抒情歌曲,为现代著名作曲家吕远于1958年所作。本文将从创作背景概述、音乐分析、艺术特征三个部分,对这首歌曲进行全方位且深入的音乐形态分析,进而对本曲的创作风格进行总结。
[摘 要] 本文从创作依据、歌词内涵、旋律发展三方面分析中国艺术歌曲《故园恋》:其一,梳理该曲词作家、曲作家及其具体创作背景;其二,挖掘歌词蕴含的叙事脉络与情感内涵;其三,剖析旋律抑扬顿挫、跌宕起伏的艺术特质。在此基础上,结合个人演唱实践与文献理论,提出具体演唱技法。研究旨在推动《故园恋》的传播与提升受众认知,同时为自身后续的演唱学习提供理论与实践参考。
[摘 要] 二胡是我国独特的民族乐器,具有鲜明的地域特色和民族审美,历来是人们青睐的艺术形式之一。随着时代的进步与发展,优秀作品不断涌现。其中,青年作曲家李博禅继承与创新传统二胡技艺,创作出二胡作品《丝路拾光》,为现代二胡艺术创作带来了新范式。该作品以丝绸之路为创作主题,通过音乐语言实现了中原与西域文化的艺术对话与融合,已成为当代二胡领域丝绸之路题材的代表性力作。本文从创作特征、音乐本体特征及演奏技法三个维度展开分析,深入阐释其艺术价值。
[摘 要] “以情带声”是美声演唱中必不可少的灵魂,表现为情感引领着技术运用与声音表达,让演唱跳出技术至上的局限,回归情感表达的本质。本文以普契尼歌剧《托斯卡》选段《为艺术,为爱情》为研究对象,从作品情感底色梳理、演唱技法情感适配、舞台氛围营造三方面拆解实施要点,结合作品与角色境遇,具体探讨分段式“以情带声”的实践路径,以及情感与曲式调性、技术运用、角色心境的融合关键点,为美声演唱实现声与情、技与艺的有机统一提供实践参考。
[摘 要] 艺术歌曲是一种音乐与诗词高度艺术化结合而形成的声乐载体,具有丰富的内在情感和艺术张力。特别是艺术歌曲的歌词往往蕴含别样韵味,同时也承载了传统文化内涵,探讨艺术歌曲歌词特征与演唱技巧就变得至关重要。文章阐述了艺术歌曲《岁月悠悠》歌词的艺术特征,接着探讨了歌曲歌词与旋律线条、和声色彩、曲式结构、钢琴伴奏的结合特征;最后从合理控制演唱气息、灵活塑造演唱音色、保证咬字吐字的清晰性、加强情感表达与艺术处理等层面,探究了艺术歌曲《岁月悠悠》的演唱技巧。
[摘 要] 中国古诗词艺术歌曲是中华优秀传统文化与现代音乐创作融合的特殊载体,《如梦令》作为其中的经典曲目,以李清照词作的婉约意境为核心,经多位作曲家谱曲形成多个经典版本。本文运用音乐学细读、案例分析及实践诠释相结合的方法,从织体技法、和声技法、力度与速度处理三个维度分析钢琴伴奏的具体应用,为古诗词艺术歌曲钢琴伴奏的演奏、教学、创作等方面提供理论参考与实践借鉴,彰显传统诗词与现代音乐融合的艺术价值。
[摘 要] 二胡与扬琴二重奏《双阕》是谭盾“新潮音乐”时期的标志性作品。本文以作品结构解析为基础,从主题变化、律动自由、张力对比三个维度剖析其音乐特征,结合滑音、双弦、不确定音高三类核心技法的谱面解读与合奏实践。通过对比于红梅、严洁敏演奏版本的音响差异,融入笔者合奏排练经验,详细探讨二胡与扬琴两种传统乐器在合奏中的协同演绎,希望能为其他演奏者提供更全面的视角去学习这首作品。
[摘 要] 笙曲《楚颂》是青年演奏家彭洁移植改编自青年作曲家李博禅所作二胡曲。笙作为一种中国古老乐器,在当代民族音乐中正经历着复兴与创新。近年来,随着民族音乐的不断发展,笙的移植作品层出不穷。这一过程不仅丰富了笙的演奏曲目,也为传统乐器的现代化提供了新的思路和方法。本文旨在探讨笙移植版《楚颂》中的技术转化和情感处理。通过对比分析笙版与二胡版《楚颂》在演奏技巧与情感处理上的差异,揭示笙移植曲的特有表达路径。
[摘 要] 艺术歌曲《歌》是由作曲家张瑞根据徐志摩翻译的诗歌创作而成,收录在《雪花的快乐·张瑞艺术歌曲集》中,作品一经发表便广受好评。目前学术界对这首作品已有探讨,但在中西艺术融合及演唱情感表达等方面的研究仍有不足,故本文结合实践进行深入分析,希望为该作品的研究增加新参考。文章从三个方面对艺术歌曲《歌》进行论述:第一部分对《歌》的作者及其创作背景进行阐述,揭示了英文原诗生命哲思、译诗的意象转化以及现代谱曲的中西融合技法;第二部分对《歌》的艺术特征进行分析,阐释了诗歌翻译美学、和声与文学意象的交融、节奏及钢琴与人声的情感对话;第三部分展开演唱分析,结合自身实践对咬字、气息及情感处理作详细分析,旨在为广大声乐爱好者提供借鉴与参考。
[摘 要] 本文聚焦普契尼歌剧《艺术家的生涯》第二幕中的咏叹调《漫步街上》,深入探究其中歌唱气息的训练与运用。从歌唱气息训练的基本原理出发,涵盖呼吸器官的功能、不同呼吸方式的特点以及气息控制与支持的机制,构建起坚实的理论基石。进而详细剖析《漫步街上》在长句、强弱变化和高音区等方面歌唱气息的特殊训练要点,并深入研讨气息在旋律线条塑造、情感表达传递、装饰音演绎以及节奏变化掌控中的运用方式。旨在为声乐学习者与演唱者提供系统且极具针对性的演唱指南,助力其更为精准地诠释这一经典的咏叹调,同时为声乐教学与研究在气息运用维度贡献有价值的参考范例与理论素材。
[摘 要] 《春舞》是一首经典的钢琴曲目,它融合了中国少数民族音乐风格和典型的西方作曲技法,其曲目风格及结构都有一定的创新性。对这首作品进行分析和学习,有助于提高自身对民族音乐文化的认知,了解民族音乐文化和西方乐器融合的更多可能性。本文将分三个部分,对《春舞》的音乐元素、音乐结构和钢琴演奏特色逐一进行分析。笔者认为,《春舞》的成功在于其以高度的艺术性与技巧性,实现了民族神韵、地域色彩与钢琴乐器特性的有机统一,对中国钢琴音乐的创作与演奏产生了深远影响。
[摘 要] 朱践耳被誉为“中国交响乐奠基人”,将西方现代作曲技法与中国传统音乐深度结合,形成了特有的音乐精神。本文以朱践耳钢琴曲《流水》为研究对象,分析该作品在与西方音乐作曲技法结合下的创作手法,更加深入地研究该作品在创作过程中如何巧妙运用民族化风格处理,以追求中国传统音乐的超越声音表象的审美意境,在此基础上进一步分析如何更好地演奏该作品来阐释所表达的意境。
[摘 要] 本文围绕威尔第歌剧《弄臣》中吉尔达的核心唱段《亲切的名字》展开。先从戏剧语境和人物定位出发,探究吉尔达的双重身份,以及其与公爵、弄臣间的三角关系对人物塑造的作用,剖析该咏叹调在情节转折中的戏剧功能与歌词隐喻;接着从音乐语言层面,解读其对人物心理的刻画方式;最后指出演唱时在气息控制、花腔技巧、音准音色及情感表达等方面易出现的问题,并给出解决办法,强调要兼顾技术精准与艺术想象,达成音乐叙事和心理现实主义的统一。
[摘 要] 扬琴作品《川江韵》是由扬琴演奏家、教育家黄河与何泽森在2002年创作的一首极具四川地方音乐风格的作品。该曲旋律优美,构思巧妙,结构清晰。文章以《全国扬琴演奏考级作品集》收录的《川江韵》乐谱作为研究对象,采用乐谱文本分析法,结合实际演奏经验,对乐曲的音乐特征和演奏技法进行分析。音乐特征部分从曲式结构、调式材料与动机发展、节奏节拍等方面展开;技法部分分为常规技法与特殊技法,结合谱例说明其动作要点、音响目标与风格指向,旨在帮助扬琴演奏者在演奏过程中更好地理解乐曲,进而更好地诠释该作品。
[摘 要] 《羊角花开》是一部蕴含深厚民族情感与现代合唱艺术特征的合唱作品,选自同名歌剧《羊角花开》,该作品由四川音乐学院孙洪斌、陈万等教授创作。作品选取羌族的族花——羊角花为核心意象,以2008年汶川大地震中羌族同胞患难与共、共渡难关的历史为背景,融入了羌族特有的民歌、羊皮鼓等民族音乐元素与舞蹈形式,并运用部分民族语言,呈现出浓郁的民族风格与地域特色。作品不仅具有较高的艺术水准,更寄托了缅怀逝者、歌颂顽强蓬勃生命力的深厚情感。该作品作为极具民族韵味及表现力的混声合唱作品,在创作中实现了中西作曲技法的巧妙融合。本文将从作曲技法与指挥实践双重维度展开系统分析,深入探讨音乐处理的内在逻辑,立足于合唱排演的视角预设实际问题与应对策略,挖掘作品承载的羌族文化精神与集体记忆,为民族风格合唱作品的艺术表达与创作探索提供有益借鉴。
[作者简介] 庞宏(1978—),女,天津师范大学讲师。(天津300384)梁吉坤(1968—),女,独立音乐人。[作品简介] 作品词作饱含赤子深情与文明积淀。旋律坚定激昂,以纯四度、五度跳进展现向上之势,小七度大跳增添听觉冲击。休止符与三连音的运用,使节奏张弛有度。副歌部分通过 ^{b} E大调向 ^{b} B大调的转调,将情感层层推向高潮。歌曲歌颂中国在科技、文化、民生等领域的辉煌成就,抒
[作者简介] 胡才敏(1989—),女,钦州幼儿师范高等专科学校讲师。(钦州 535099)欧玲玲(1998—),女,钦州幼儿师范高等专科学校教师。(钦州 535099)[基金项目] 2025 年度广西高校中青年教师科研基础能力提升项目《融合钦州民族英雄元素的古筝曲创编实践研究》(2025KY2031)。 [作品简介] 本曲以钦州民族英雄刘永福的事迹为创作背景,致敬其抗法援越、助力“
[作品简介] 作品以“四种颜色”为结构核心,通过四种花的意象,构建一个在音色、能量与时间中不断转化的声音空间。四个段落分别对应四种花:白·玉兰、红·彼岸花、黄·迎春、蓝·鸢尾。这些花并非被描绘,而是作为一种感知模型,介入音乐的生成过程。在整体结构上,四种颜色与花的意象并非彼此孤立,而是在材料的循环与再配置中相互渗透。音响如同花的形态,在生成、展开与消散之间不断转化,最终回归到近乎无声的边界。
[摘 要] 《教育部关于全面实施学校美育浸润行动的通知》提出,把“美育浸润”作为推动教育高质量发展的关键战略途径[1]。师范类高校舞蹈专业需培养复合型美育教师,但传统课程体系存在培养目标模糊、重技轻教、课程割裂等问题。本文以北京师范大学舞蹈系为例,阐述其课程改革思路与实施路径,旨在有效提升学生美育认同与教学能力,为同类院校提供改革参照,助力国家美育政策落地。
[摘 要] 芦笙花鼓舞苗语音译为“du diong sei die”,是花溪苗族人民在丰收时节、喜庆节日进行表演的传统舞蹈,融合了当地苗族人民的生产生活智慧和艺术创造力,是“笙、鼓、舞”三者结合的文化产物,展现了花溪苗族人民对祖先的怀念以及对美好生活的向往。本文从非遗文化保护的角度出发,通过深入花溪把伙村进行调研,探索苗族芦笙花鼓舞发展的现状,发现芦笙花鼓舞的发展在当前面临着诸多的问题和挑战,如传承断代、经费短缺、认知浅薄、宣传不足等困境。基于此,本文以花溪芦笙花鼓舞为研究对象,针对其发展困境提出传承与保护措施,旨在为花溪芦笙花鼓舞的活态传承提供理论依据和实践指导,以期在现代社会中延续其文化生命力。
[摘 要] 四印苗作为苗族众多支系之一,主要分布在贵州境内的清镇、六枝、白云、修文、乌当等地,因其服饰上有着独特的“四印”图案而得名;而抢鼓棒舞作为该支系的传统祭祀舞蹈,是祭祀仪式的主要组成部分和呈现形式,它反映了不同历史时期人们的社会情感和民族信仰,是承载族群历史记忆的重要文化形式。论文以抢鼓棒舞为切入点,对该舞蹈及其存在场域——跳鼓祭祖仪式进行了梳理,通过对该苗族簪汪始祖祖先崇拜、祭祖仪式中亲缘关系以及时代发展背景下女性地位的重要性提高的分析,进一步阐述四印苗族的亲缘观念在族群延续中的重要地位,并通过对仪式实践与舞蹈传承的描述彰显出族群亲缘观念的文化生命力。
[摘 要] 独具东方韵味的中国古典舞,在当代创作中立足当下,以传统文化为根基,将其进行创造性转化、创新性发展,以适应当代发展语境,充分体现国人对传统文化的价值认同,以及对文化自觉、文化自信的身份归属。本文以传统文化为切入点,通过分析、凝练其舞蹈素材转化的创新路径,即提取、激活、创新,来探究中国古典舞创作的当代建构与实践立场,为中国古典舞赋予时代符码丰富其审美追求。
[摘 要] 传统舞蹈源于优秀的民族文化,种类丰富,风格多变,具有深厚的文化内涵和极高的审美价值。传统舞蹈元素是传统舞蹈艺术的精华,在当代舞蹈编创中合理运用传统舞蹈元素,能够将深厚的民族情感传递给观众,在精神层面引发观众强烈共鸣,使传统文化得到更好的延续,从而实现当代编创的艺术价值和社会价值。本文首先对传统舞蹈元素及当代编创的概念进行简单介绍,进而分析在当代编创中运用传统舞蹈元素的价值,最后结合经典舞蹈作品,分析传统舞蹈元素在当代编创中的转化途径,希望为当代舞蹈艺术发展提供有益的参考。
[摘 要] 傣族象脚鼓舞并非鼓与舞的表层拼接,而是在礼俗活动、节庆场域与地方流传中逐步沉淀而成的乐舞同构形态。起势、行进、强化、转接四类鼓点分别承担定拍引场、步伐推进、能量聚焦与结构转承等组织职责。步伐、躯干、转体、造型等动作类别并非孤立铺陈,而是依托拍位、力度、句式与音响气质形成差异化回应。鼓点作用于身体之后,进一步转化为动作落点、能量层级、段落边界与表演状态。由此形成的鼓舞对应关系,揭示了傣族象脚鼓舞“鼓领动作、动作释鼓意”的内在机理。
[摘 要] 明代南教坊乐工编撰、清代宫廷刻印的乐谱集《太古传宗》收录元明清戏曲和散曲800余首。本文通过考证史料及曲文,翻译并唱读全部曲谱,分析其音乐特征,发现本书前两卷是明代万历年以前的曲子谱,早于昆腔和明末弦索调;其中保存了元杂剧《西厢记》全本曲谱和其他18种杂剧、南戏、传奇单折或残套曲谱。以《太古传宗》前两卷乐谱为依据,可以恢复元杂剧《西厢记》全本演出和其他几种古代戏曲的单折演出。
[摘 要] 中国近现代音乐教育在“西学东渐”的宏大背景下展开,其思想演进并非单一的“全盘西化”,而是在中西、古今的碰撞与融合中,呈现出复杂而深刻的价值取向。本文聚焦于“礼乐并重”这一中国传统音乐文化的核心观念,探讨其在近现代音乐教育思想中的赓续、转型与再阐释。文章首先梳理“礼乐并重”的传统内涵及其在近代遭遇的挑战;继而以康有为、梁启超、蔡元培、王光祈等代表性思想家的音乐教育主张为核心案例,分析他们如何在不同层面上,或显或隐地承继并重构“礼乐并重”的精神,旨在实现国民道德教化、审美素养提升与社会凝聚力增强的多元目标;最后,本文探讨这一价值取向在当代音乐教育中的现实意义,认为其对纠正技术至上、忽视文化精神的偏向,构建具有中国特色的音乐教育体系具有重要的启示意义。
[摘 要] 在全球化背景下,乐器的生命在其传统的用乐语境中“脱嵌”,并在“离散”“饮食”“非遗”等现代实践中被“挪用”与“再嵌入”,由此生成了超越地域与历史的“新”生命。本文基于田野工作,通过对三个核心案例的剖析,勾勒出乐器在现代进程中的生存图景,并提出这一衍变过程所面临的两大核心挑战:其一,乐器作为“有形”物质载体与其“无形”演奏实践之间的有机统一是否得以维系;其二,在多元文化语境下,乐器的“真实性”(authenticity)如何被重新定义与协商。本研究认为,正是对这两个挑战的不同回应方式,决定了当今乐器迥异的命运,并深刻反映了传统文化在现代世界中的适应与张力。
[摘 要] 从默片时代的现场伴奏,到有声电影时代音画的完美融合,音乐始终扮演着不可或缺的角色,为电影叙事增添情感深度、强化戏剧张力、塑造人物形象。近年来,随着电影艺术的不断发展,音乐与电影叙事的融合方式也日趋多元化和复杂化,音乐不再仅仅作为背景音效或情感渲染的工具,而是逐渐成为推动剧情发展、构建叙事结构、深化主题表达的重要叙事元素。本文通过深入探讨《爱乐之城》中音乐与叙事的紧密关系,分析音乐如何推动剧情发展、揭示角色内心情感,以及如何通过音乐引发观众的情感共鸣。
[摘 要] 民族音乐具有生动的表现力和强大的生命力,不同地区的民族音乐在传承、传播中既需要面对市场的考验,又需要迸发出具有现代感的活力。民族音乐的数字化传播成为音乐文化传播与音乐艺术呈现的一种新方式。基于数字化技术的支持实现地方民族音乐传播时,既要从音乐本体的传播入手,借助数字化技术提升传播效率、优化传播质量,又要从音乐文化传承的角度入手,利用数字化技术增大影响力、扩大覆盖面。精准把握传播中的真实性、创新性和协同性原则,构建“虚实共生”的数字化传播生态、打造“多元融合”的数字化内容体系、搭建“精准触达”的数字化传播矩阵、完善“双向赋能”的数字化保障体系,旨在为促进海南民族音乐实现数字化传播、优化民族音乐传播品质提供支持。
[摘 要] 面向全民终身学习型社会,社区音乐教育对于提升大众的审美素养、凝聚社区情感有着独特价值。基于此,本文立足终身学习视角,梳理社区音乐教育在理念传播、师资结构、内容体验等方面的问题,并依据学习共同体、多元文化教育、项目式学习等理论,提出了引“共学”、聚“群师”、融“项目”以促“共创”这三条可进一步推广的路径,期望能够推动社区转变音乐教育模式,以实现全民终身学习的目标。
[摘 要] 音乐治疗作为一种结合音乐与心理学、医学的交叉学科,通过运用一切与音乐有关的活动形式,包括聆听、演唱、乐器演奏、身体律动等各种手段来缓解个体的压力,改善情绪状态,增强认知功能以及促进个体的身心健康。其科学基础建立在音乐对人的大脑及神经系统的积极影响之上,通过用音乐调节心率、降低皮质醇水平、促进多巴胺分泌,从而在生理与心理层面产生疗愈效应。而随着社会竞争的加剧和升学压力的增大,中学生群体的心理健康问题日益突出,焦虑、抑郁、情绪失调等现象在青少年中屡见不鲜,这不仅会影响其学习效果,更对其人格发展和社会适应能力构成潜在威胁。传统的心理健康教育方式往往侧重于认知行为干预和言语疏导,而忽视了情绪与身体的整体性干预。因此,将音乐治疗的理念与方法应用于中学音乐教育中是一个有益的尝试与探索。本文旨在通过探析音乐治疗融入中学音乐教育的理论可行性,以音乐治疗中的“五音疗法”为例,研究其在中学音乐课堂中的心理疗愈效能及价值,为中学音乐教育提供新思路和新路径。
《当代音乐》(月刊)国内外公开发行,吉林省文学艺术界联合会主管,吉林省音乐家协会、吉林音像出版社有限责任公司主办,《当代音乐》编辑部编辑出版。国际标准刊号:ISSN2097-7212。国内统一刊号:CN22-1414/J。 1.论文三版(5500字)起发,字数按摘要、正文、注释以及谱例、表格或图片面积计核;声乐、器乐作品稿件均要求线谱,简谱不收。 2.本刊要求来稿的重复率(相似率)不得超过 1